Flaschenputzer treffen auf getrocknete Rosen, schimmernde Glaskugeln krönen ein Geweih, kleine Spruchtafeln geben widersprüchliches zum Besten. Der Kosmos von Inka Perl ist schillernd und doch zurückhaltend, filigran und dennoch voller Schlagkraft, humorvoll und gleichzeitig kritisch und immer ein bisschen rätselhaft.

Die gebürtige Leipzigerin fügt zusammen, was auf den ersten Blick nicht heterogener sein könnte. Und doch verschmelzen die Dinge zu neuen Sinngebilden, welche mit einem Augenzwinkern und unverblümter Neugier die normative Wahrnehmung der Wirklichkeit hinterfragen.

Inka Perls Arbeiten sind Objektcollagen. Auf Flohmärkten sammelt sie Dinge, die ihr ins Auge stechen, die sie neugierig machen oder die ihr gefallen. Ganz im Sinne Marcel Duchamps entscheidet sie, welche Objekte Kunst sind beziehungsweise werden dürfen.

In der Ausstellung INSKOPIA zeigt die Leipziger Künstlerin Inka Perl wunderbar poetische Bilder, entstanden aus Experimenten mit der Technik der Cyanotypie. Die Werke verströmen eine Magie, zu der die Farbe Blau nicht wenig beiträgt und erzeugen einen lichten Klang im Kunstraum NEU DELI. Inka Perl vermischt in ihren Arbeiten Eisenblau-Flächen mit Collagen, Digitalbearbeitungen und fotografisch festgehaltenen Zwischenstadien.

Inka Perls künstlerische Arbeit bewegt sich im Interdisziplinären und ist geprägt von einer zwei- und dreidimensionalen Auseinandersetzung mit dem Gegenstand und dessen Umsetzung in Bewegtbild und Installationen. Inka Perl bezeichnet ihre Beschäftigung mit Licht und seinen Reflexionen als INSKOPIA. Die Wortendung -skopie  stammt vom altgriechischen Wort skopein, deutsch ‚betrachten'. Der Anfang ist ihrem Namen entlehnt.

Durch die Technik der Cyanotypie werden musikalische Inspirationen und Bewegungsmomente im Akt des intuitiven Handelns, der Improvisation eingefroren und für ein Innehalten bewahrt. Durch den zarten, behutsamen Umgang mit Dingen und das malerische Spiel mit Lichtsituationen entstehen abstrakte wie poetische Lichtlandschaften, -gestalten und -stillleben.

Im Kunstraum NEU DELI arrangiert Inka Perl Arbeiten der vergangenen zwei Jahre - Wunderkammerobjekte, Bewegt- und Standbilder - zu einem „inskopischen“ Raumklang.

Museen sind besondere Orte. Es sind Orte der Begegnung mit fremder und eigener Kultur, mit Geschichte und Wissenschaft, mit Bekanntem und Unbekannten und im besten Fall mit Menschen ähnlicher Interessen.

In der Vergangenheit dienten sie der Zurschaustellung von fürstlichem oder bürgerlichem Reichtum und diverser Sammelleidenschaften, später der Vermittlung von Wissen, Bildung und Kultur. In der Folge fand schließlich die Forschung zunehmend Platz unter den Museumsdächern. Von den Schatz- und Wunderkammern bis zu den heutigen themenspezifischen Museen hat sich eines erhalten: Museen haben für ihre Betreiber einen nicht zu unterschätzenden repräsentativen Charakter. Nicht umsonst beauftragen Länder und Kommunen, sofern sie es sich leisten können, für Museumsneubauten angesehene Architekten, subventionieren ihre Museen oft großzügig aus dem meist schmalen Kulturetat und stehen untereinander im permanenten Wettbewerb um öffentliche Wahrnehmung und Reputation.

Die thematische Spannbreite ist mittlerweile grenzenlos. Von historischen Sammlungen bis hin zu zeitgenössischen Haushaltsgeräten, von bildender Kunst aller Epochen bis zu landwirtschaftlichem Gerät – für jedes Interessengebiet findet man irgendwo ein Museum. Eine bemerkenswerte Eigenart der musealen Präsentation ist es, dass sie die Exponate unabhängig von ihrem materiellen Wert auf seltsame Weise erhöht. Eine Zahnbürste im musealen Kontext umweht automatisch eine Aura des Besonderen, während ihre Zwillingsschwester im Badezimmer das ihr eigentlich zugedachte Schattendasein als Hilfsmittel zur Körperpflege führt.

Für einen Künstler ist der Auftritt in einem Museum zumeist förderlich für seine Karriere, vorausgesetzt, er ist noch am Leben. Andererseits kann dies jedoch auch bedeuten, dass die eigene Musealität für ihn zum Problem werden kann. Mit der Präsenz in einer musealen Sammlung ist das angekaufte Werk Teil des kulturellen Erbes – gerade dieser (und vermutlich nur dieser) Ausschnitt des eigenen Schaffens wird der Nachwelt exemplarisch erhalten bleiben und die Sicht auf das Gesamtwerk prägen, vielleicht aber auch verstellen.

Die meisten Künstler kennen dieses Problem nicht. Die zeitgenössische Museumslandschaft ist personell und ideologisch eng verzahnt mit dem Kunstmarkt, was bedeutet, dass die Magazine nur einer verschwindend kleinen, – nicht nur, aber in erster Linie nach ökonomischen Gesichtspunkten – vom Kunstbetrieb auserwählten Elite offen stehen.

Gleichwohl haben Museen schon immer Künstler fasziniert und inspiriert. So verwundert es nicht, dass das Sammeln selbst zu einer Art Kunstform werden konnte. Die zeitgenössische Kunst bietet dafür zahlreiche Beispiele. Das Prinzip Sammlung prägt in Installationen, thematischen Werken oder Werkgruppen das Bild vieler zeitgenössischer Ausstellungen, manches wird in Buchform präsentiert oder findet sich in neuen Kontexten wieder. Auch hier stellt sich das Phänomen ein, dass die gesammelten Objekte durch die künstlerische Intervention auf eine neue Bedeutungsebene gehoben werden.

Besonders deutlich wird dies in Künstlermuseen, einer noch recht jungen Sparte der Kunstgeschichte. Die Idee, als Künstler ein Museum zu gründen – nicht in erster Linie zur Präsentation eigener Werke, sondern zur Vermittlung von Inhalten – ist eigentlich recht naheliegend. Gleichwohl sind Museen, die sich exklusiv als künstlerische Arbeit verstehen, nach wie vor eher selten. In der Regel haben solche Museen einen deutlichen narrativen Ansatz. Abhängig von den jeweiligen ideellen und künstlerischen Kontexten präsentieren sie Artefakte, die wahre oder erfundene Geschichten erzählen. Durch die museale Form zielen sie einerseits auf die Neugier, aber in besonderem Maße auch auf die Stimmungen und Gefühle der Besucher ab. Im Gegensatz zu klassischen Museen ist dabei ein Erkenntnisgewinn im bildungsbürgerlichen Sinne nicht zwingend das Ziel der Präsentation. Im Künstlermuseum entkoppeln sich die Bedeutungen der einzelnen Exponate von ihren (im wahrsten Sinne des Wortes objektiven) Inhalten und verweben sich erst im Zusammenspiel zu einer künstlerischen Gesamtaussage. Dadurch entsteht die Möglichkeit, auch Immaterielles wie Wünsche, Visionen, Utopien oder Gefühle in den Fokus der inhaltlichen Auseinandersetzung zu stellen.

Dies gilt in besonderem Maße für Inka Perls Sehnsuchtsmuseum. Diese sich ständig erweiternde Sammlung eigener und gefundener Artefakte ist weit mehr als der Versuch der Künstlerin, die eigene Befindlichkeit zu spiegeln und zu hinterfragen. Mit ihrer unverwechselbaren Ästhetik gelingt es ihr, ein universelles Thema zu visualisieren und für den Besucher Räume der Inspiration und Kontemplation zu schaffen. Es ist Installation, Performance und real life in einem – inspirierend für alle, die im alltäglichen Kampf um wahres oder vermeintliches Glück menschliches Gefühl bewahrt haben. All denen – und natürlich der Künstlerin – ist zu wünschen, dass dem Sehnsuchtsmuseum dessen bisheriger Status des Veränderlichen und Temporären im Inneren erhalten bleibt, sich aber bald schon auch als immobile Institution manifestieren kann.

Die Zeit und ihre Fülle an Zeugnissen rast an uns vorüber, schneller als wir imstande sind wahrzunehmen, aufzunehmen und zu verarbeiten. Was geschieht mit den Dingen, die durch die Maschen unserer Aufmerksamkeit gefallen sind, uns aber dennoch prägen – unser Weltbild, unser Schönheitsbild, unsere Kultur?

Als bewegte sich Inka Perl außerhalb der Zeit in einer Beobachterposition, scheint ihr jene Möglichkeit zu eigen, ihre Aufmerksamkeit den Dingen zu widmen, die durch das gesellschaftliche Wertsystem fielen und diese zu speichern. Sie ist Medium der Dinge, die nicht vergessen werden dürfen. Insofern ist Inka Perl eine Art Hüterin unserer Kultur und erfüllt eine Gedächtnisfunktion. Sie breitet ihre Röcke aus und fängt die Schönheit auf, die wie Plankton in die Tiefe des Unterbewusstseins der Gesellschaft sinkt. Sie sammelt, verdichtet und übersetzt. So bekommt das Unterbewusste ein Gesicht und ermöglicht uns, zu erkennen, was sich uns bisher als Wert nicht erschlossen hat.

So beginnt ihr Werk und entsteht immerfort in ihren Räumen, wie ein Protokoll. Es ist wie erinnern, wenn ich Inka Perl in diesen Räumen besuche. Insofern eine Art heimkommen, weil ich bei ihr auf Dinge treffe, die mir vertraut scheinen, ohne zu wissen wo ich ihnen begegnete. Eine Konfrontation mit eigenen unterbewussten Prägungen, die mein Empfinden für Heimat, Identität, Geborgenheit, Schönheit usw. ausmachen.

Das Erleben ihres Werkes hat auch einen Moment des Schreckens. Denn das was wir sehen, dokumentiert das Leben schon in dem Moment wo es geschieht und geht davon aus, dass ein Weiterleben nicht vorgesehen ist.Es könnte der Blick in eine Zukunft sein, in der Glitzerstaub in der Nachmittagssonne eines geöffneten Fensters mit wehenden Gardinen der Vergangenheit angehört.

Was so entsteht, ist Teil des Kulturgutes und nicht als Produkt für einen Kunstmarkt angelegt. Die Objekte in Inkas Räumen sind Entitäten, über die wir Zugang erhalten zu einem Teil in uns selbst, dem wir wenig Beachtung schenken. Deshalb ist es überraschend zu entdecken, wieviel Schönheit darin ist.

Inka Perls künstlerische Intention des Bewahrens von Werten vermittelt sich durch die Objekte ihres Werkes und deren spezielle Zusammenstellung, die den Blick des Betrachters schärft.

Ihr Werk vervollkommnet sich aber auf besondere Weise durch die Präsenz ihrer Person, weil sie es lebt und belebt und die Nuancen der Veränderung, die die Zeit mit sich bringt, als Bewegung in ihr Werk übersetzt.

Die Möglichkeit, diesen Ort öffentlich zugänglich zu machen ist ein gesellschaftsrelevanter Beitrag. Das Werk von Inka Perl ist das Geschenk an diese Gesellschaft, einen Ort besuchen zu können, wo man doch noch erfahren kann, was zu schnell vorüber flog. Das ist ein Prozess, den man sich im normalen Leben häufig wünscht, der jedoch unrealistisch ist. Ein Ort der Sehnsucht, weil er Innehalten ermöglicht und der Verbindung mit dem Unterbewussten Raum macht. Eine Konstante, an der ich teilhaben darf, jedes Mal wenn mich Inka durch ihre Räume führt und mir die Neuankömmlinge in ihrem Werk vorstellt.

…auch wenn das angesichts der überbordenden Verspieltheit ihrer Arbeiten leicht den Anschein haben könnte.

Tatsächlich ist sie als Person – auch ikonografisch – durchaus ein Teil ihres Werkes. Inka Perl verarbeitet ihre subjektive Weltsicht, ihre Stimmungen und Befindlichkeiten zu metaphorischen postfeministischen Kunstwerken, welche vom Persönlichen auf das große Ganze verweisen.

Ihre oft kryptischen Bilder, Assemblagen, Objekte, Schreine und Installationen sind Statements zur gegenwärtigen Kultur in all ihren Facetten – von der bunten Oberflächlichkeit der Konsumwelt hin zu zwischenmenschlicher Verelendung. Sie verbindet Romantik, Retrokitsch, Neo-DADA und an Art Brut erinnernde Simplizität mit philosophischen Gedankenspielen, welche als Zitate und Sinnsprüche, teils im Original, teils verfremdet, in ihren Arbeiten auftauchen. Ihre fröhlich-nostalgisch anmutende Glitter-Ästhetik schafft romantische Vorhänge, hinter denen sich düstere Abgründe verbergen können.

Flaschenputzer treffen auf getrocknete Rosen, schimmernde Glaskugeln krönen ein Geweih, kleine Spruchtafeln geben widersprüchliches zum Besten. Der Kosmos von Inka Perl ist schillernd und doch zurückhaltend, filigran und dennoch voller Schlagkraft, humorvoll und gleichzeitig kritisch und immer ein bisschen rätselhaft.

Die gebürtige Leipzigerin fügt zusammen, was auf den ersten Blick nicht heterogener sein könnte. Und doch verschmelzen die Dinge zu neuen Sinngebilden, welche mit einem Augenzwinkern und unverblümter Neugier die normative Wahrnehmung der Wirklichkeit hinterfragen.

Inka Perls Arbeiten sind Objektcollagen. Auf Flohmärkten sammelt sie Dinge, die ihr ins Auge stechen, die sie neugierig machen oder die ihr gefallen. Ganz im Sinne Marcel Duchamps entscheidet sie, welche Objekte Kunst sind beziehungsweise werden dürfen.

Diese erfahren dann eine Transformation, Verschmelzen zu einem neuen Ganzen, werden zu dreidimensionalen Collagen voller visueller Überraschungen. Sie spielen mit dem post-surrealen Geist des Wunderbaren, welches durch die „unvermutete Begegnung einer Nähmaschine und eines Regenschirms auf einem Seziertisch“ hervorgerufen wird.¹

Dieses „Wunderbare“ ist es, was Inka Perls Werke zu so faszinierenden kleinen Universen werden lässt. Jede Arbeit eröffnet eine neue Welt voller Ideen und Assoziationen. Sie führt uns vor Augen, dass die alltäglichen Dinge mehr sein können als das, was wir in ihnen sehen.

Damit setzt sie die Gedankenwelt keines geringeren, als des großen surrealistischen Malers René Magritte in die dritte Dimension um, drückt ihr dabei jedoch ihren ganz prägnanten „Inka“-Stempel auf, entwickelt die Ideen auf ihre eigene Art und Weise weiter.

René Magritte ist bekannt für die Irritationen, die er in seinen Werken dadurch erzeugte, dass er unsere Erfahrungen der Wirklichkeit aushebelt. Er verfremdete Alltägliches, indem er es aus dem gewohnten Kontext hob. Alle Bilder Magrittes sind jedoch über eine „poetische Logik“ nachvollziehbar, sie stellen „Denkbilder“² dar, welche rational reflektierbar sind.

Solche Denkbilder bzw. Denkobjekte sind auch Inka Perls Arbeiten. Die Künstlerin hat sich eine wunderbare Neugier bewahrt, welche nichts scheut und sich nicht aufhalten lässt. Mit dieser befragt sie nun die Welt. Sie dreht, wendet und kombiniert die Dinge so weit und so lange, bis sie eine Perspektive gefunden hat, welche sie zufrieden stellt. So entstehen spielerisch neue Sinnzusammenhänge, die uns als Betrachtern andere Blicke und ungewohnte Sichtweisen erlauben.

Mit einem bezaubernden Humor und gleichzeitig oftmals kritischem Blick haucht Inka Perl den alltäglichen Dingen so ein neues Leben ein – ein zweites Leben mit origineller Bedeutung und unkonventionellen Zusammenhängen.

¹ Lautréamont, Die Gesänge des Maldoror (Orig.: Les Chants de Maldoror, Paris 1868), Sechster Gesang. Reinbeck bei Hamburg 1990 (1963), S. 223.
² Karin Thomas: Blickpunkt Moderne. Eine Geschichte der Kunst von der Romantik bis heute. Köln 2010, S. 227.

Inka Perl ist eine Ikone. Sie schlüpft in Rollen und inszeniert sich wahlweise als Maria, Schutzengel oder Sterntaler. Die Rollen sind mehr als nur Verkleidungen, sie verweisen, so die Künstlerin auf Stimmungen: Maria etwa auf das kontemplative-, der Engel auf das sehnsuchtsvolle Moment. Im Zentrum der kommenden Ausstellung geht es aber weniger um Selbstinszenierung, die Künstlerin streut stattdessen – als Stellvertreter der Rollen - Reliquien und Botschaften, die in kleinen angefertigten „Reliquienschreinen“ präsentiert werden, sich aber jeder Eindeutigkeit entziehen; vielmehr zeigen sie eine Symbolwelt auf, die sich zwar klassischer Symbolik bedient, aber wie bei einem Kaleidoskop neu zusammenwürfelt wurde. Das Ergebnis ist eine persönliche Ikonographie, die Assoziationen hervorruft, sie aber gleichzeitig hermetisch verschlüsselt. Die Ummantelung der goldenen Kästen verleiht den Objekten die Aura des „Heiligen“, des „Sakralen“, des „Verzauberten“ und tatsächlich sind sie eine Verstofflichung der erwähnten Momentaufnahmen, die sich durch die eklektische Zusammensetzung der Objekte als „gemischte“ Stimmungen äußern. Die Schreine fungieren darüber hinaus als Fenster zu Welten, die hinter den Rollen stehen: Und das ist abendländische und deutsche Kulturgeschichte, deutsche Märchen, die Heilsgeschichte, Geistesebenen und Metaerzählungen, die das Diesseits von jeher versüßten - es zumindest erträglicher machten!

Die Worte, Wortfetzen und Wortverdreher tasten nach einem Sinn, bleiben dabei aber sinnoffen. Das Wort oder die Aussage tritt nie vor das Bild und dessen visuelle Funktion und doch scheint sie Glaubenssätze zu hinterfragen, so erhält etwa Ernst Blochs „Prinzip der Hoffnung“, durch den kleingeschriebenen Zusatz, „das im PRINZIP keine HOFFNUNG mehr erlaubt ist“ nicht nur eine Umkehrung, sondern wirft die Frage auf, was für eine Madonna Inka Perl ist, die postuliert, dass die Hoffnung (eine der göttlichen Haupttugenden) im Prinzip verboten und damit verloren ist. Eine Madonna der Postaufklärung, die die Brüche der Moderne kennt?

Verräterisch sind die Ornamente, die einen dritten Werkstrang bilden. Sie leitet die abstrakte Kunst malerisch vom Ornament her und abgesehen der gemalten Stilfrage Alois Riegls, wird deutlicher, dass sich Inka Perls Gesamtwerk auf einer abstrakten Ebene bewegt. Aber es gibt keine reine Abstraktion. Selbst Jackson Pollock ging vom Gegenstand aus. Und demnach hat jede Abstraktion ihr Geheimnis und ein Geheimnis ist dazu da, entschlüsselt zu werden.

Was bei den Inszenierungen - auch der Objekte – bedeutet, dass Künstler angewiesen auf das Leben, die Menschen, sie brauchen stoffliche oder abstrakte Fundstücke, Musen, Leidenschaften, Geschichten – die sie auf ihre Arbeit projizieren können. Künstler sind Medien. Inka Perl unterstreicht diese mediale Rolle des Künstlers unter dem Deckmantel Mariens, des Schutzengels und Sterntalers, aber die Medialität des Künstlers an sich ist ihre eigentliche Botschaft, sie ist bezogen auf die Kunst und damit selbstreferentiell.